DANCING IN THE MOONLIGHT
L’éclairage en cinématographie est bien plus qu’une simple technique ; c’est un moyen de raconter des histoires et de susciter des émotions. La lumière Rembrandt, avec son triangle lumineux, incarne l’équilibre entre ombre et lumière, symbolisant les dualités de l’existence humaine. Cette technique nous rappelle que la beauté réside aussi dans les imperfections et les zones d’ombre qui révèlent la complexité de la réalité.
Rembrandt Van Rijn, tout comme Caravage, est l’un des pionniers du clair-obscur.
Une dualité universelle
Contrairement à l’éclairage parfait des publicités, qui vise à sublimer et séduire, la lumière Rembrandt propose une approche plus authentique, soulignant la vulnérabilité. Cette tension entre ombre et lumière reflète nos luttes intérieures et nos contradictions. Elle nous invite à réfléchir à l’équilibre entre ces deux forces dans nos vies.
Un visage majoritairement dans l'ombre avec un triangle d'ombre peut evoquer la tristesse.
En cinématographie, cette dualité enrichit l’intensité émotionnelle et intellectuelle des œuvres, invitant à l’introspection et à la compréhension des complexités de l’existence. Les grandes œuvres ne se contentent pas de présenter une vérité, elles poussent à l’exploration et au questionnement.
Un visage mi-ombre, mi-lumière, avec un triangle lumineux sur la joue opposée, suggère un équilibre penché vers la lumière.
Une histoire idéalisée
Quant à la photographie commerciale, un éclairage parfait capte immédiatement l’attention, accentuant l’attrait des produits. Bien qu’il crée une esthétique idéale, cette approche n’est pas dénuée de valeur, car elle inspire et véhicule des émotions de désir et d’aspiration.
Un visage largement baigné de lumière, avec peu d’ombre, réduit la profondeur et le relief du portrait qui devient aseptisé.
L’art, tout comme l’écriture, est un moyen de réfléchir, de se questionner et de découvrir ses valeurs profondes. Par exemple, lorsque nous prenons des photos ou que nous regardons des films, nous recherchons ce contraste, ce réalisme. Bien que le divertissement fasse aussi partie de nos choix, nous privilégions toujours un film qui nous permet de grandir.
La météo et la luminosité ambiante ont un impact significatif sur les émotions. De plus, chaque personne a un profil plus flatteur ou plus féminin que l’autre.
Une quête de sens
Une photographie est une histoire condensée qui suscite des émotions ou des sentiments. Ces derniers peuvent être réconfortants, inspirants, ou simplement amener à poser des questions. Qui est cette personne ? Que veut exprimer cette photo ? Quelle émotion éveille-t-elle en moi ? Est-ce un sentiment positif ? Quelle est l’histoire de ce personnage ?
Un simple reflet du soleil peut dégager un sentiment de chaleur et automatiquement réduire l'aspect dramatique d'une photographie. Voir les deux yeux aide également à établir une connexion plus forte avec le sujet.
Conclusion
En conclusion, l’artiste qui vend du rêve crée une évasion, alors que celui qui pousse à la réflexion invite à confronter la réalité, souvent inconfortable mais nécessaire. Les deux sont complémentaires : l’un nourrit l’imaginaire, l’autre ouvre les yeux.
Ainsi, tandis qu’un projet commercial se concentre sur la transaction et l’impact immédiat, un projet narratif explore des réalités plus subtiles et durables, encourageant l’introspection et l’engagement à long terme. Ces deux types de projets, bien que distincts, jouent chacun un rôle important, mais avec des approches et des objectifs fondamentalement différents.
La clé réside dans la capacité à mixer une double narrative pour balancer les deux approches : l’authenticité artistique et l’accessibilité commerciale. Cela implique de tisser des fils narratifs et stylistiques qui satisfont à la fois le besoin de profondeur philosophique et le désir de capter un large public.